Lo nuevo de Taylor Swift, LCD Soundsystem, M.I.A., John Cale, Joaquín Sabina y otras canciones del mes
Los críticos de ‘Babelia’ comentan los temas recientes más destacados en todos los estilos musicales
Taylor Swift – ‘Anti-Hero’
El regreso de Taylor Swift, Midnights, no acaba de arrancar hasta su tercera canción, que ella ha descrito como “una visita guiada” por todas las cosas que odia sobre sí misma. La cantante recorre sus inseguridades con voz socarrona. Admite sus defectos, pero también se ríe de la exagerada caricatura que sus detractores llevan años propagando sobre ella: falsamente inocente, mentirosa compulsiva, inepta en lo sentimental, con sobrepeso, con anorexia, de retórica tan vacía como la de un congresista, como canta en este tema. “El problema soy yo”, admite Swift en el estribillo. Lo hace con una ironía indudable que nos habla de las improbables transiciones que habrá vivido en su carrera: de cándida princesa country a encarnación humana de los atributos de una vil serpiente, de ser la nueva novia de América a convertirse en la más detestable antiheroína. Se ha dicho que Swift repite hallazgos anteriores, pero ‘Anti-Hero’ parece más bien un compendio de todo lo que ha aprendido en sus últimas aventuras: la sofisticación lírica de Folklore y Evermore, el colorismo pop de Lover, la capacidad de reírse de sí misma (o, por lo menos, de su imagen pública) en el vilipendiado Reputation. Es, junto a ‘Bejeweled’, lo mejor de un álbum irregular, pero aun así notabilísimo. ÁLEX VICENTE
Caroline Polachek – ‘Sunset’
Caroline Polachek es una de las cosas más excitantes que le han pasado al pop en los últimos años. La exlíder de Chairlift lleva meses editando canciones que formarán parte de su próximo disco, que llegará a comienzos de 2023. Cada una de ellas supone un nuevo motivo de desconcierto para quienes traten de adivinar en qué consistirá su sonido, misión casi imposible tratándose de esta creadora multifacética, imprevisible, voluble, errática y casi siempre brillante. Polachek vuelve a despistar. Su nueva canción está construida sobre un improbable riff digno de un viejo éxito del flamenco pop, que nos traslada a un chill out ibicenco de los primeros dosmiles, estética recreada por el vídeo de la canción, que se rodó en Barcelona (y que le valió incluso una comparación en las redes con Chambao a través de un ingenioso mash up). La cantante no tarda en elevar el tema hacia otra dimensión: hacia un pop vanguardista e incluso operístico, apoyada en la producción por el siempre ingenioso Sega Bodega, el músico chileno-irlandés detrás de muchos de los temas de Shygirl. Á. V.
John Cale – ‘Story of Blood’
Si en algo parecían estar de acuerdo todos los implicados en el documental sobre The Velvet Underground que Todd Haynes realizo para Apple TV en 2021 era en que, con la salida de John Cale de la banda, desapareció la locura que les convertía en algo único. Ha pasado medio siglo, el músico galés cumplió en marzo 80 años y todavía publica canciones espléndidas como esta en la que colabora la cantautora californiana Weyes Blood, adelanto de su nuevo disco, Mercy, anunciado para enero de 2023. Aquí están todas las claves de Cale: una introducción de piano, sintetizadores ambientales y su voz de ultratumba que empasta perfectamente con la de Weyes Blood, que por momentos parece la mismísima Nico. Una vejez admirable, señor Cale. IÑIGO LÓPEZ PALACIOS
LCD Soundsystem – ‘New Body Rhumba’
La mejor banda de la primera década de este siglo vuelve con un tema que es una perfecta sublimación de todo lo que les convirtió en esenciales para una generación y media (casi todos los X y más de la mitad de los mileniales). El corte está escrito para la adaptación de la novela Ruido blanco de Don DeLillo que ha rodado Noah Baumbach para Netflix. Fue el director el que contactó con James Murphy para pedirle la canción, el primer material original que lanza la banda de Nueva York desde su anterior largo, American Dream, publicado en 2017. En su mitad inicial, este tema de más de siete minutos es un trasunto de ‘Pow Pow’, ‘North American Scum’ y ‘Daft Punk Are Playing at My House’, o sea, el corte soñado por la facción más rumbosa de los seguidores del combo. Luego muta en algo más expansivo, más en la onda de las aproximaciones electrónicas al legado de The Smiths o David Bowie que los de Nueva York han acometido, casi siempre con éxito, desde su origen. Ritmo de palmas, cencerros, coros gritones y un James Murphy anunciando que desea un cuerpo nuevo para satisfacer sus necesidades, o las que le impone la sociedad cada vez que le pregunta qué aliño quiere en la ensalada. XAVI SANCHO
Young Fathers – ‘I Saw’
La mejor banda de la segunda década de este siglo presenta el segundo sencillo de adelanto de su nuevo disco, Heavy Heavy, que verá la luz el próximo mes de febrero. El trío escocés incide en las baterías ruidosas, los coros casi bíblicos y esas cadencias que transitan los albores del hip hop y los de la despedida de soltero en un pub de Glasgow. Pero esta vez enriquecen su sonido con unos aires new wave, que van desde las armonías excéntricas de XTC hasta el recitado cazallero de Ian Dury. Lo suyo es un poco música pizza. Una masa constante, sólida y apetitosa y en cada tema unos toppings distintos, que parece que igual no encajan, pero que siempre terminan funcionando a la perfección. Son capaces de echarle un día piña y que el asunto siga gustando. X. S.
M.I.A. – ‘Popular’
La cultura narcisista de las redes, la creación de ídolos banales y los mensajes confusos sobre la autoestima sirven a Maya Arulpragasam, una de las raperas británicas más destacadas de los últimos años, para componer un agitado tema de dinámica reggaetonera con bocinas y coros metálicos. Porque ser una rapera en la cima del éxito “es duro”, y más aún “si soy famosa y estoy buena”. Aunque lo original tiene que ver con cómo retrata al que se arrima al sol que más alumbra porque no le queda otra salida entre tanta trivialidad (“Ahora quieres estar cerca de mí”). Con Diplo como mano derecha a la producción, el que es el segundo single de su próximo álbum casi parece una caricatura intencionada, mordaz e inteligente sobre lo que trajo consigo el éxito de Kala, su aclamado segundo disco que acaba de cumplir 15 años y que la puso en la cima de la música popular del momento. Esta es su manera de celebrarlo: con una buena dosis de sarcasmo. BEATRIZ G. ARANDA
Loraine James – ‘Maybe If I (Stay On It)’
La música electrónica y conmovedora que hace esta compositora y cantante de Londres fue una de las sorpresas más destacadas de la última y reciente edición del festival Unsound, encuentro para la música mundial de vanguardia que cada año se celebra en Cracovia. Lo que James ofrece en esta canción, una de las ocho que forman su tercer disco, un sentido homenaje/diálogo con el músico minimalista de la escena neoyorquina fallecido en 1990, Julius Eastman, está tan lleno de energía como de profundidad. Sobre una base densa y contundente de cajas de ritmos, utilizando el recurso de la repetición de compases y de versos para ir construyendo la emoción, Maybe If I (Stay On It) brilla por el significado y por el significante: un alegato queer sobre lo que la sola presencia de la otredad tiene de político. B. G. A.
Joaquín Sabina con Leiva – ‘Sintiéndolo mucho’
En Sintiéndolo mucho, el documental sobre Joaquín Sabina que ha dirigido Fernando León y que se estrena el 17 de noviembre, el cantante jienense asume que ya no compondrá canciones como ‘Contigo’, ‘Y sin embargo’ o ‘Yo me bajo en Atocha’. A sus 73 años, Sabina reconoce que ya no superará a Sabina. Una revelación que le honra. Esta canción es la que ha escrito para esa misma cinta de León, una pieza de aire crepuscular donde el artista mira su trayectoria con la sensación de que ha merecido la pena. Leiva (a la producción, los instrumentos y los coros) se esfuerza por sacar al maestro en grano grueso de esa garganta repleta de nicotina. Quizá su ejemplo sea el de Rick Rubin y Johnny Cash en aquellos discos fantásticos de la última etapa del titán del country. La canción se mece entre el country y la ranchera con versos que esperas del cantautor: “Siempre he querido envejecer sin dignidad”. La pieza funciona mucho mejor como banda sonora de los créditos del documental que fuera de ese contexto. CARLOS MARCOS
Soleá Morente y La Casa Azul – ‘Vamos a olvidar’
No es la primera colaboración entre Soleá Morente y La Casa Azul. A principios de este año ya entregaron ‘No pensar en ti’, un tema que Nacho Canut y Carlos Berlanga compusieron para Raffaella Carrà. Y les quedó bien. Esta segunda colaboración, Vamos a olvidar, suena incluso mejor. Hay mucho en estos menos de cuatro minutos. Arranca como una canción melódica de los años setenta (¿Camilo Sesto?), se transforma en una cumbia y deriva en una rumba. Todo, con un sonido moderno y una letra sentida y creíble. Reseñable la presencia de Las Negris, que aportan palmas y jaleos cuando la pieza deviene en juerga. La colaboración entre Soleá Morente y La Casa Azul se va a ampliar a un disco entero. Si se mantiene la calidad de Vamos a olvidar será uno de los discos del año. C. M.
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