17 obras maestras del pop-rock cuyas versiones son incluso mejores

Para ser un artista total hay que tener mucho ego... y también grandes dosis de humildad. Cuando David Bowie escuchó la versión que hicieron Nirvana de su clásico The man who sold the world, dijo: "Me ha volado la cabeza. Esa forma de cantar de Kurk Cobain... Claramente supera a la mía". ¿Es posible superar una obra maestra? Sí, porque hablamos de opiniones, de sentimientos, de arte... Y siempre se puede llegar más alto. En el mundo de la música pop-rock ha pasado en algunas ocasiones. Hemos recopilado 17, siempre, claro está, a nuestro subjetivo juicio. Lo bueno es ser prácticos: tenemos dos grandes interpretaciones de una misma obra sublime.

Ahora puede parecer increíble que Bob Dylan admita que otro artista ha mejorado una de sus obras, pero eso es exactamente lo que pasó con All along the watchtower. Claro que todo se puede entender si tenemos claro que la canción en cuestión, editada a finales de 1967 por Dylan -en aquellos días en permanente estado de gracia- recibió nuevo tratamiento de chapa y pintura por parte de otro infinito talento.

"Me encantó la grabación de Hendrix y desde que murió la estoy haciendo a su manera. Es extraño que cuando la canto, siempre siento como si fuera de alguna manera un tributo para él", admite Dylan en las notas de su recopilatorio de 1985 Biograph sobre la versión ideada por Jimi, quien pasó todo 1968 dándole vueltas hasta dar con la eléctrica toma que incluyó en Electric Ladyland, su tercer y último disco en vida, editado en octubre de aquel mismo año.

Pincha aquí para ver a Bob Dylan interpretando la canción.

Pincha aquí para escuchar la versión de Jimi Hendrix.

¿Cómo es posible que alguien se atreva a versionar una canción del considerado mejor disco de la historia, Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, que los Beatles publicaron en 1967? ¿Puede haber alguien tan temerario? Bien, en realidad hay muchos, pues es una composición centenares de veces reinterpretadas, aunque todas ellas por debajo de la original.

Todas salvo una. El arenoso torrente vocal de un joven Joe Cocker (24 años cuando la grabó) apareció como la madre de todas las tormentas del desierto para reubicar el orden aparentemente inmutable. Así, de fresco pop psicodélico pasamos en 1968 a un blues rock que cuenta con la guitarra de alto octanaje de Jimmy Page en su versión en estudio. Cuando el cantante inglés la cantó al año siguiente en Woodstock, la latente discusión se zanjó sin más: la de Cocker era mejor que la de los Beatles.

Pincha aquí para escuchar la original de los Beatles.

Pincha aquí para ver cómo un extasiado Joe Cocker interpreta el tema.

La grabación original fue registrada por Trent Reznor, líder de Nine Inch Nails, mientras vivía en la casa de Los Angeles donde en 1969 Charles Manson y los miembros de su familia asesinaron a Sharon Tate y otras cuatro personas. En ese ambiente inevitablemente morboso y lúgubre compuso el líder de Nine Inch Nails este tema que reflexiona sobre la muerte, la destrucción y la pérdida.

Lo que no podía imaginar su autor es que en 2002 Hurt caería en manos de un Johnny Cash crepuscular (con 70 años, falleció un año después) que, con la ayuda del productor Rick Rubin, la convirtió en su emocionante despedida del mundo de los vivos. Un epílogo que, acompañado de un certero vídeo, se convirtió en la última gran obra de la leyenda del country, capaz de agigantar la canción con su intenso y profundo recitado.

Pincha aquí para escuchar la original de Nine Inch Nails.

Pincha aquí para ver el vídeo de la versión de Johnny Cash.

El final de Pat Garret and Billy The Kid, western clásico dirigido en 1973 por Sam Peckinpah, consigue ascender hasta la categoría de legendario gracias a la aportación de este Knockin' on heaven's door de Bob Dylan, perfecta banda sonora para el desenlace de la historia. Tal fue su impacto que es una de esas canciones reinterpretadas por una lista interminable de aristas, de Eric Clapton y U2 a Lana del Rey.

Pero la más lograda es la de Guns N'Roses, pues la banda angelina la hizo suya al incluirla en su álbum de 1991 Use your illusion 2, presentándosela a toda una nueva generación que también quedó prendada por su gran secreto: una sencilla progresión de acordes sobre la que fluye toda la grandilocuencia de los versos de Dylan. Axl Rose, Slash y compañía la siguen tocando en su gira de reunión en una versión de casi diez minutos con desarrollos instrumentales ampliados y grandes coros.

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Pincha aquí para escuchar la potente versión de Guns N'Roses.

La grabación de Bob Marley & The Wailers se convirtió en un clásico del reggae tras su lanzamiento en 1973 dentro del álbum Burnin'. Sin embargo, tuvo que llegar Eric Clapton un año después para romper todas las barreras y llevar al tema directamente al número 1 de la lista estadounidenses.

Con su mano lenta dibujando nuevos paisajes a través de su perpetua Fender Stratocaster, Clapton agrandó el mensaje en favor de la justicia de Marley a través de un elegante soft-rock para las masas que mantiene el toque jamaicano. Todo un acierto.

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Uno de los más grandes clásicos de Leonard Cohen. Por ello resulta sorprendente que no tuviera gran impacto tras su lanzamiento en 1984 en el álbum Various positions.

Tuvo que llegar John Cale en 1991 para darle una vuelta y dejarla desnuda a voz y piano, con renovada letra a partir de quince folios de versos que le mandó el propio Cohen. A partir de ahí, el propio Cohen cantó esta nueva visión de su tema, que también sirvió de inspiración para la más apoteósica de sus versiones, la incluida por el malogrado Jeff Buckley en su disco Grace, de 1994. Delicadeza y sentimiento a borbotones.

Pincha aquí para escuchar la original de Leonard Cohen.

Pincha aquí para ver el vídeo de la versión de Jeff Buckley. Cuidado: duele.

Pocos, muy pocos de los chavales que vieron en bucle en el otoño de 1994 en la MTV a Kurt Cobain cantar en el Unplugged in New York de Nirvana este The man who sold the world sabían que en realidad no era obra suya. Tampoco les importaba en ese momento, pues se trataba básicamente de no dejar marchar del todo al ídolo caído del grunge, fallecido en abril de 1994, y mantenerle en el mundo de los vivos a toda costa.

Sin duda, su funesto deceso influyó en la trascendencia de la versión, pues de alguna manera quedó como último testimonio del icono de toda una década, si bien hay que admitir también que, aunque el sonido es bastante calcado, en última instancia el grupo consigue darle una tonalidad más áspera y desesperada, muy acorde con el sentimiento del momento. Nueva vida para el tema 24 años después de su publicación.

Pincha aquí para escuchar la original de David Bowie.

Pincha aquí para ver el vídeo de la versión de Nirvana.

El éxito logrado por Whitney Houston con la película y la banda sonora de El guardaespaldas (1992) fue uno de esos tan mastodónticos que al mismo tiempo que te aúpan hasta el olimpo te zarandean con inusitada violencia. Una aceptación tan descomunal que en realidad resulta sorprendente, pues el tema principal, I will always love you, ni siquiera era original.

De hecho, hay que retroceder casi dos décadas, hasta 1973, para dar con su autora, Dolly Parton. Su versión country tuvo cierto éxito y lideró las listas del género en Estados Unidos en 1974, e incluso repitió con una regrabación en 1982. El potencial era evidente, pero tuvo que llegar la mejor Whitney para instalarlo con su portentoso despliegue vocal durante catorce semanas en el número 1 de la lista de Estados Unidos. Tras su muerte, en 2012, regresó al podio de la lista.

Pincha aquí para escuchar la original de Dolly Parton.

Pincha aquí para ver a Whitney Houston dar un recital vocal en I will always love you.

Exitazo que define toda una época, la de la música disco, y que reinó en las listas más importantes del planeta tras su lanzamiento en 1978, convirtiendo a Gloria Gaynor en icono del final de aquellos maravillosamente locos setenta. Carne instantánea de versión, otras que se atrevieron a cantarla fueron divas de la talla de Diana Ross y Shirley Bassey, pero no pudieron repetir en el centro de la diana.

Los rockeros alternativos Cake tampoco lo consiguieron en términos de ventas, si bien el lavado de cara que le propinaron a la canción es sin duda de los más llamativos. La despojaron de su aura festiva para conducirla por nuevos e inexplorados derroteros con un desparpajo que llevó a Gaynor a señalarla como su versión favorita.

Pincha aquí para escuchar el himno discotequero de Gloria Gaynor.

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En 1984, Prince quedó prendado de Susannah Melvoin, una joven para la que llegó a montar todo un grupo, The Family, para el que él mismo compuso y grabó casi en solitario todo un disco homónimo. En esos surcos está Nothing compares 2 U, con Prince tocando todos los instrumentos y poniendo coros junto a Susannah al cantante principal, apodado St Paul.

No pasó gran cosa con el álbum y la canción quedó olvidada hasta que un lustro después el artista despidió a su experimentado mánager Steve Fargnoli. La venganza del viejo zorro fue un machetazo: ofreció sin tener consentimiento Nothing compares 2 U a una desconocida irlandesa llamada Sinead que, ayudada por el productor Nellee Hooper, lo convertió en un exitazo atemporal. Ella ni conocía a Prince y cuando, poco después, trataron de entablar algún tipo de relación, casi llegan a las manos, pues él nunca perdonó esta ofensa.

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Pincha aquí para ver el vídeo de la versión de Sinead O'Connor.

Clásico del country escrito por Johnny Christopher, Mark James y Wayne Carson, grabada por primera vez por Brenda Lee en 1972. Desde entonces, acumula más de trescientas versiones por todo tipo de variopintos artistas, destacando las de Elvis Presley en aquel mismo año y la de Willie Nelson, que le valió incluso un Premio Grammy en 1983 en la categoría de Canción del Año.

Sin embargo, hubo que esperar hasta 1988 para degustar la reinterpretación más original e impactante, con el personalísimo toque de Neil Tennant y Chris Lowe, Pet Shop Boys, que por aquel entonces hacían de la vanguardia tendencia masiva para todos los públicos. Tanto era así que lustros después, en 2014, su versión de 'Always on my mind' fue votada por los oyentes de BBC Music en una gigantesca encuesta como la mejor de la historia.

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Pincha aquí para escuchar la versión de Pet Shop Boys.

Clásico compuesto por Charles Fox y Normal Gimbel a partir de una idea de Lori Lieberman, quien grabó la versión original en 1971. Pero nada pasó hasta que Roberta Flack la escuchó por casualidad en un avión y llamó inmediatamente a Quincy Jones para ponerse manos a la obra y hacerla suya. Con gran éxito en 1973 al llegar al número 1 en Estados Unidos, Canadá y medio mundo.

Muchos otros artistas se aproximaron después a la canción, pero nadie con tanta inspiración como The Fugees en su disco The Score, de 1996. Con Lauryn Hill en la voz principal y un sampleado del tema Bonita applebum, de A Tribe Called Quest, el grupo consiguió llevar la composición a otro lugar. Y Killing me softly volvió a arrasar en todo el mundo dos décadas después. En 1997 su grabación ganó un Grammy.

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Pincha aquí para ver el vídeo de la versión de The Fugees.

Pocos días después de que el famoso riff de guitarra se le "apareciera en sueños" a Keith Richards, The Rolling Stones grababan y editaban en el verano de 1965 el que sería su primer número 1 en Estados Unidos. Pocos dudan de que es uno de los grandes himnos rockeros de la historia.

Su peso en la cultura popular del siglo XX es indiscutible y, precisamente por eso, ha sido objeto de infinidad de versiones, unas más atinadas que otras. En el primer grupo, en el de las certeras, aparece destacada la que Otis Redding registró apenas unas semanas después que los mismísimos autores para su álbum de versiones de septiembre de 1965. Aún más vigorosa y con un impetuoso ritmo de soul descarrilado, incluso hubo no pocos despistados que acusaron a los Stones de robar la canción al maestro del soul.

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Bob Dylan es el autor original de esta canción cuya primera grabación podemos encontrar en su célebre disco de marzo de 1965 Bringing it all back home. Se trata de una de las composiciones más populares de su inabarcable catálogo, que ha sido reinterpretada en vivo y regrabada en estudio por todo tipo de artistas, como Judy Collins, Odetta y William Shatner. Estamos, en definitiva, ante uno de los clásicos más memorables del folk estadounidense... por partida doble.

Y es que menos de un mes después de Bob Dylan, The Byrds publicaban como su primer sencillo su propia versión de Mr. Tambourine Man, con la que alcanzaron el número 1 en Estados Unidos y Reino Unido. Una adaptación abreviada, con unos juegos de voces celestiales y en una clave diferente que consiguió un impacto más fulminante y profundo, por lo que se le atribuye gran responsabilidad en el auge del folk-rock de la segunda parte de los sesenta. Una visión más concisa y, justo por eso, más accesible.

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Gloria Jones no obtuvo el éxito que esperaba con esta ahora célebre composición de Ed Cobb. Su primera materialización, en 1964, no entró en ninguna lista de éxitos y terminó encontrando acomodo en el superpoblado rincón del olvido. Y eso a pesar de que bien podría pasar como uno de esos clásicos axiomáticos de la Tamla-Motown.

Precisamente ese toque fue el que resucitó a la canción, convirtiéndola en popular en la escena británica del northern soul. Tanto fue así que Gloria la regrabó en 1976, pero fracasó de nuevo. Fue ya en 1981 cuando Soft Cell la repensaron completamente para convertirla en número 1 y clásico del pop de sintetizadores a través de la sugerente voz de Marc Almond.

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Tema escrito por Sonny Curtis en 1958 y grabado por The Crickets cuando éste se incorporó a la banda en el lugar del malogrado Buddy Holly. Pero nada paso con su enérgico estribillo hasta que Bobby Fuller Four la hicieran suya en 1965.

La historia continúa cuando 23 años después Joe Strummer y Mick Jones descubrieron la canción por pura casualidad en una jukebox de un estudio de San Francisco mientras preparaban su segundo disco, Give 'em enough rope (1978). Quedaron prendados instantáneamente y terminaron incluyéndola en su EP de 1979 The cost of living, insuflando a sus acordes toda la furia necesaria para transformarla en pieza icónica del punk de combate.

Pincha aquí para ver el vídeo de Bobby Fuller Four.

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Lou Reed abandonó The Velvet Underground en agosto de 1970, al poco de terminar la grabación de su cuarto disco, Loaded, que llegó a las tiendas en noviembre. No le gustaban ni la mezcla de las canciones ni tampoco las presiones de la discográfica para conseguir canciones de éxito en las radios (por ahí anda una Sweet Jane nada del agrado del músico en su primera encarnación).

I found a reason es un tema ahogado en esa tormentosa marejada que, treinta años después, fue rescatado por Cat Power en The Covers Record, su cuarto trabajo, repleto de eso, de versiones, hechas a piano y voz. "Es hermoso, hermoso, hermoso. Mi favorito", sentenció Dave Grohl al respecto en declaraciones al NME en aquel año 2000. Y sí, tienes razón, Dave.

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